Hablando de teatro por Noticentro 4 al Amanecer

Intrevencion del 24 de octubre de 2007 (ver)

MALDITO ARBOL TROPICAL (crítica teatral)

Jorge Luis Ramos y Sully Díaz protagonizan la pieza. (EL VOCERO/Alex Rafael Román)

Excelencia en "Maldito árbol tropical"

Por: Javier del Valle

Especial para EL VOCERO (publicado 29 de octubre)

Cuando el drama familiar es regido por el odio, la venganza y los celos, entonces se traduce en tragedia.

El carácter retorcido de una familia japonesa se muestra en el oscuro drama "Maldito árbol tropical" del novelista nipón Yukio Mishima.

El montaje dirigido por Emineh de Lourdes Marrero, se presenta en el Teatro Francisco Arriví de Santurce como parte del 43er. Festival de Teatro Internacional del Instituto de Cultura Puertorriqueña. Personajes obsesionados con la muerte tejen con distintas destrezas la madeja de intriga que da tono a la pieza traducida por María Cristina Fusté y presentada por vez primera en el hemisferio occidental.

"Keisaburo"‚ (Jorge Luis Ramos) es un rico hombre de negocios ofuscado por la belleza de su esposa "Ritsuko"‚ (Sully Díaz). Aunque es espléndido con ésta, quien lo detesta, es miserable con sus hijos "Isamu"‚ (José Eugenio Hernández) e "Ikuko"‚ (Tensy Ann Vela). Ambas mujeres son fuertes y manipuladoras y aprovechándose de la debilidad emocional de "Isamu", le utilizan con vileza. "Ritsuko"‚ ansía la muerte del marido; "Ikuko"‚ la de la madre y la propia. El sexo incestuoso es el arma de madre e hija para ejercer poder sobre el perturbado joven. "Nobuko"‚ (Linnette Torres) es la tía que vela con amor por el bienestar de los jóvenes pero con cierto velo de misterio. La tragedia familiar es vista como un árbol hermoso y florido que extiende sus ramas hasta cubrir todo de sombra.

La excelencia de esta puesta en escena radica en sus altos valores de producción, una atinada dirección y una buena integración del elenco. La escenografía, precedida por un telón de boca que se convierte en pantalla lumínica, es el canvas sobre el que las luces diseñadas por Fusté nos hablan de los personajes y su sentir. Emineh de Lourdes supo evitar caer en las tentaciones habituales cuando se dirige una pieza de alta identificación étnico-cultural. Supo captar la profundidad psicológica de cada personaje y proyectarlos de manera realista sin recurrir a estereotipos raciales. La pieza escrita por Mishima a mediados del siglo pasado guarda similitud con el realismo psicológico del norteamericano Tennessee Williams.

Cada uno de los actores tuvo su momento de brillantes, logrando actuaciones convincentes y genuinas. Uno de los trabajos de mayor proyección es el de la joven Tensy Ann Vela, quien interpreta la perturbada y manipuladora hija moribunda.

La producción de María Cristina Fusté y Ailien Ventura para Boundless Theatre Company cuenta con el diseño de vestuario de Jorge Joel Torres, diseño de sonido de Emineh de Lourdes, escenografía de Joselo Arroyo, utilería de Gregorio Barreto, maquillaje y peinados de Bryan Villarini y la dirección musical de Noelia Ortiz.

"Maldito árbol tropical" continúa el próximo fin de semana en el Teatro Francisco Arriví. Para más detalles sobre el Festival del ICP puede acceder a www.teatropr.com.

"Hablando de Teatro" por Noticentro al Amanecer

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FESTIVAL DE TEATRO INTERNACIONAL DEL INSTITUTO DE CULTURA PUERTORRIQUEñA

Críticas: "Suero, sexo y sangre" y "Judas Super Star"

SEMIDESNUDAS (Crítica teatral)

María Bertólez caracterizó a la Venus de Milo. (EL VOCERO/Alex Rafael Román)

Semi desnudas: Experimento teatral para evolucionar

Por: Javier del Valle Especial para EL VOCERO (publicada 22 de octubre en Escenario Extra)

Todo experimento viene cargado de riesgos. Igual que en un laboratorio, el teatro depende de controles necesarios para advertir cuales serán los resultados del proceso "científico". En el caso de "Semi desnudas", las variantes incluían un texto inédito, actrices novatas en el mundo del stand-up comedy, un grupo de espectadores bastante desigual y por último, lo más importante, actrices con el torso desnudo.

"Semi desnudas" la pieza que estrenó el pasado viernes 19 de octubre en el Teatro Georgetti en Santurce, aunque bien elaborada, resulta un tanto desigual en contenido y proyección.

En este "topless comedy" (o comedia descamisada), la falta de ropa no pasa de ser un gancho publicitario. El texto y las actrices son capaces de sostenerse hasta en traje de astronauta en este espectáculo escrito y dirigido por Gil René Rodríguez.

¿La premisa? Cinco actrices interpretan a personajes históricos, del arte o la literatura, quienes cuentan chismes e historias que les rodean. Ellas son Edmi De Jesús ("Eva") María Bertólez ("Venus de Milo") Cristina Sesto ("María Antonieta"), Marisa Baigés ("Mona Lisa") y Yezmín Luzzed ("Blanquita Nieves"). Algunas cuentan sus vivencias sexuales junto a maridos, compañeros y conocidos. Otras analizan curiosidades, ofrecen charlas de motivación o juegan con el público.

Gil René impone su habitual estilo de juego con el lenguaje utilizando cacofonías, retruécanos y redundancias. Este texto abundante en alusiones históricas y mitológicas, trata de buscar lugar en el concepto vodevilesco. Asimismo, el público intenta buscar un poco de materia simple y directa. La balanza se inclina hacia un público educado en materia de cultura general, con deseos de liberarse un poco de inhibiciones.

Las actrices intentaron motivar un ambiente interactivo con reacciones y comentarios del público, mediante la improvisación sobre el libreto. Todas las actrices, incluyendo a la joven Laura Isabel, quien interpretó múltiples personajes, lucieron cómodas y desinhibidas. Mientras el público mantuvo una atmósfera de buen gusto y respeto hacia las intérpretes.

La ejecución del maquillaje corporal de Yamil Medina sobre los torsos desnudos de las actrices, se convirtió en excelente pieza de vestuario y permitió mantener la atención del presente donde tenía que estar.

"SemiDesnudas" es un buen experimento con posibilidades de evolución. Continuará presentándose todos los viernes a las 9:00 p.m. en el Teatro Georgetti de la Calle Hipódromo en Santurce.

ALICIA (crítica teatral)

"Alicia" para el disfrute de todos
Por: Javier del Valle, Especial para EL VOCERO
Publicado en edición del 22 de octubre de 2007

Poco a poco se desvanecen las quimeras de los niños. Entre juegos electrónicos y películas de fantasía que dirigen y manipulan la imaginación de los chiquitines, es imperativo alimentarles sus propias fantasías.
El autor, matemático y clérigo anglicano Lewis Carroll escribió "Alicia en el país de las maravillas" (1865) con el único mensaje de que los niños no dejen morir sus sueños y utopías. El pasado sábado y domingo se presentó en el Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré en Santurce, el musical "Alicia", en versión del español Daniel Pérez y el grupo teatral Réplika.
Con un texto en verso lleno de ritmo y agradable sencillez, el montaje dirigido por Jaroslaw Bielski atrapó la atención de las cientos de familias con niños que llenaron la sala Antonio Paoli. El argumento se ciñe al original, pero dado el caso del juego de rimas, las acciones transcurren más rápidas y al grano.
Toda la acción ocurre sobre una plataforma inclinada en medio del escenario, con una serie de trampas por las que salen los personajes. De fondo, el ciclorama juega un papel importante con la constante proyección de colores brillantes y simples patrones de luz. Es notable que el montaje está diseñado para teatros mucho más pequeños que la Sala de Festivales santurcina. La aceptación por parte del público infantil fue evidente. Rieron, aplaudieron y gozaron poniendo mucha atención y disciplina. Sólo los papás y mamás siguen dando la nota discordante mientras atienden llamadas telefónicas en medio de la presentación.
El colorido vestuario y el concepto escenográfico son creación de Agatha Ruiz de la Prada, reconocida diseñadora de moda española.
La soñadora Alicia es interpretada con frescura y sin changuerías por la actriz española Laura Orduña, junto a un acertado elenco.
El montaje ibérico demuestra que la sencillez puede dar espacio a que nuestros niños no dependan de extravagancias al momento de imaginar.

CIUDADANO CERO (crítica teatral)

El dolor como punto de partida para la creación.
Por Javier del Valle
Especial para El Vocero (20 de octubre 2007)

La marginalidad, la decepción y el dolor se convierten en fuente de creación, logrando poesía de lo cotidiano. La realidad dura e implacable que se obstina en lanzar escupitajos al rostro caribeño, le niega constantemente un futuro de "primer mundo".
El pasado jueves abrió una nueva sala teatral dentro de la celebración del Cuadragésimo tercer Festival de Teatro Internacional del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP). El estreno de la pieza "Ciudadano cero" del autor y actor dominicano Rey Andújar, resultó ser un gran acierto para inaugurar el escenario del Teatro Victoria Espinosa en Santurce.
La propuesta parece un eco de las batallas libradas por la misma Espinosa para que se escuche su voz negra, boricua y antillana.
A través de una fusión de monólogos, poesía, canciones y audiovisuales, Andújar presenta un discurso pesimista del devenir y el porvenir dominicano. Un callejón sin salida enmarca la metáfora existencial dominicana, desde los ojos de este personaje des-personificado. Como cualquier otro ciudadano, sueña con tener algún valor nominal en el mundo que le ha tocado vivir, pero su realidad se convierte en condición. Sueña con ser un astronauta dominicano; reclama ser amado como cualquier ser humano; su origen le discrimina; busca culpas y culpables que no existen; llora el dolor de los que tienen que amar desde lejos; se busca entre los desbarros del graffiti sub-urbano. Finalmente no hay salida delantera ni escapatoria trasera. Se vive agonizando.
Al igual que el Andújar autor, el Andújar actor sabe recoger la mueca del desespero atrapando al espectador en su desbocada carrera hacia la nada. Su trabajo corporal es un valor complementario de gran acierto.
La dirección es responsabilidad de Loraine Ferrand, banda sonora de la Cooperativa Empresarial "Lo Correcto", dirección musical de Esar Simó, dirección de imágenes de Oscar Grullón, escenografía de Luis Felipe Meléndez, iluminación y adaptación de de Nelson Rivera y maquillaje de Roberto Díaz.
La propuesta, producida por Pedro López para Sociedad Anónima Incorporada, continúa este fin de semana y repite el próximo en el recién estrenado Victoria Espinosa en Santurce

"Judas Super Star" (crítica teatral)

(Foto de EL VOCERO/Alex Rafael Román)

Irreverencia divertida

Por Javier del Valle, El Vocero

(Especial para Escenario, 16 de 0ctubre de 2007)

Existen espacios teatrales a los que podríamos atribuir vida propia. Aunque regularmente cada espectáculo transforma la neutralidad de una sala de teatro al servicio de la presentación, con los café teatros la historia es distinta. Las risas con eco, el chocar de botellas y platos, el frenesí de ‘bartenders’ y parroquianos, y meseros laborando con brío, le imparten a esta suerte de nuevos cabarets de hip hop y ‘performance, una dimensión teatral esencial.

Dentro de ese marco joven y noctámbulo, se presenta cada miércoles a las 9:30pm en El Café Seda del Viejo San Juan, "Judas Super Star" de Ricardo Álvarez. Juan Pablo Díaz, Manolo Castro y Jerry Soto acompañan a Álvarez para representar una puesta irreverente, profana y teológicamente desordenada.

En el reducido escenario de dos pisos, que se extiende hasta la barra del local, Jesús, Judas, Pedro, Pilatos, el Centurión, Caifás y un mesero francés reinterpretan las escrituras, resaltando la sucesión de hecho cercanos al momento de la gran traición por las treinta monedas. "Jesús"‚ (Juan Pablo Díaz), sale con sus amigos "Judas"‚ (Ricardo Álvarez) y "Pedro"‚ (Manolo Castro) a disfrutar de una "última cena". Entre irreverentes vacilones se ridiculiza la percepción milagrosa de la figura religiosa del Nazareno. Otros personajes corren igual suerte insinuándoseles como brutos, homosexuales y corruptos.

El escenario no es un lugar para perpetuar pudores religiosos, que lleven a los artistas y creativos a respetar la visión divina de algún grupo. De ninguna manera juzgamos el acercamiento moral o teológico que tenga a bien o mal hacer un artista; nos circunscribimos a lo estético, técnico o al contenido.

El autor, director y co-protagonista parece querer imponer algún tipo de estilo de actuación basado en recrear frases, acentos y hasta expresiones faciales de personajes creados por Roberto Gómez Bolaños, "Chespirito". El también productor a cargo de la compañía "Soy Fan de Shakespearito", no pierde un momento para integrar sus "sale y vale", "¿qué yo dije y cómo es?" o "¡me doy!".

El talento integral de Juan Pablo Díaz supera el montaje. Canta, actúa y toca guitarra. Todo lo realiza con entereza y simpatía. El chico tiene ángel. Jerry Soto, que es el más novato, tiene gracia para la comedia y la música.Judas Super Star es un espectáculo más que divertido, apto sólo para personas sin pudores religiosos.

La comedia continuará presentándose todos los miércoles en El Café Seda, Calle San Sebastián del Viejo San Juan.

FESTIVALES DE TEATRO

Cartel del Festival de Teatro de Caguas, el más antiguo fuera del area metropolitana
Forjadores de una industria escénica
Por: Javier del Valle

Especial para ESCENARIO

13 de octubre de 2007

Cada vez que se acerca un festival de teatro, los que amamos el arte escénico nos llenamos de una mezcla de ilusión y esperanza. Por un corto período sentimos que el teatro es una gran industria que permite que nuestros pares teatreros vivan una inusual bonanza. Al mismo tiempo, experimentamos cierto orgullo de colaboración con el fortalecimiento cultural del país.

Entre las principales festividades que año tras año podemos disfrutar se encuentran el Festival de Teatro Puertorriqueño del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP), Festival de Teatro Internacional del ICP, Festival de Teatro Experimental del Ateneo Puertorriqueño, Festival de Teatro de Caguas, Festival de Teatro Infantil de Caguas, Festival de Teatro Físico y Pantomima de Puerto Rico y el Caribe, Festival de Teatro del Tercer Amor de Coribantes y el Festival Internacional de Teatro Deportivo e Improvisación IOCUS.

Es innegable que cada una de estas efemérides permite el crecimiento por la afición teatral en Puerto Rico, además de robustecer la visión estética y de contenido de los que se dedican al milenario arte de las candilejas. La exposición a nuevas tendencias, nuevas formas e interpretaciones, son garantía de una evolución en la oferta futura de nuestros artistas pues se aprende de la excelencia y de las carencias.

La inclusión de eventos y actividades de crecimiento profesional y espacios de discusión, debe ser medular a la hora del diseño de cada festival. Tanto la comunidad general, como el gremio teatral, ampliarían sus horizontes si pudieran formar parte de talleres, charlas, mesas redondas, mini cursos, foros, muestras, exhibiciones o conferencias.La oportunidad de compartir conocimientos y vivencias entre los gestores y participantes de cada trabajo escénico y su público o colegas, aquilata y enriquece cada evento.

Hemos sido testigo de la poca creatividad o descuidos mostrado por algunos organizadores en su programación festivalera. A veces olvidan la importancia de llegar más allá del escenario. Para evitar salas vacías podría tomarse en cuenta el recurrir a campañas de mercadeo más agresivas que incluyan descuentos por volumen, venta de abonos o boleto único de participación general. En muchos de los casos, la publicidad queda en mano de cada una de las producciones, desaprovechando la economía que permite un trabajo de comunicación integrada.

Al día de hoy nos encontramos justo en medio de la oferta del Trigésimo noveno Festival de Teatro de Caguas, que se extiende hasta el 4 de noviembre. Este evento, que es el más longevo fuera del área metropolitana, ha exhibido altos niveles de calidad en su oferta 2007.

Desde el pasado jueves tenemos a la mano la oportunidad de presenciar la cuadragésima tercera edición del Festival de Teatro Internacional del ICP. En este lance, que se extiende hasta el 9 de diciembre tendremos la oportunidad de disfrutar de una amplia gama de trabajos de compañías nacionales e internacionales.

Esperemos que la efervescencia teatral motivada por estos acontecimientos que nos permiten visitar altares de tramoyas, diablas, candilejas, cicloramas, telones y bastidores afiancen las ganas de ver y hacer teatro en Puerto Rico. Ya es hora de que despertemos del romanticismo y nos percatemos de la gran industria virgen que hace anos tenemos en nuestras manos.

Con pie derecho apertura de Festival de teatro del ICP

Dedican Festival de Teatro del ICP a Lowell Fiet
Por: Javier del Valle Especial para EL VOCERO

El teatro está de fiesta. La nueva edición del Festival de Teatro Internacional del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) ha arrancado con buen paso.La sala del Teatro Francisco Arriví recibió el pasado jueves a un público entusiasta que celebró una magnifica velada. En esta se le dedicó esta cuadragésima tercera jornada al crítico de teatro y profesor universitario, el Dr. Lowell Fiet.

Los años de compromiso con la escena nacional puertorriqueña de este investigador y creativo originario de Wisconsin, le valieron el respeto de sus pares teatreros, la comunidad y de la oficialidad gubernamental. La dedicatoria a cargo del Dr. José Luis Vega, Director ejecutivo del ICP, incluyó la entrega a Fiet del cartel conmemorativo diseñado por el artista plástico Rafi Trelles.

"Siempre es un privilegio trabajar con teatreros tan comprometidos… Creo que este homenaje es por mis escritos sobre teatro puertorriqueño" expuso con humildad frente a un público colmado de colegas y amigos.

La Barraca de Colón (crítica teatral)

ESTUPENDA MOFA A LA HISTORIA

Por Javier del Valle

Especial para El Vocero

(fragmento del Articulo: "Con pie derecho apertura de Festival de teatro del ICP"

Publicado el 13 de octubre en Escenario Extra

Con un rico juego de imágenes que resaltan lo esperpéntico, disparatado y grotesco de la historia del descubrimiento de América y sus enigmáticos personajes, la compañía española Teatro Corsario presentó "La barraca de Colón" de Fernando Urdiales.

La puesta que coincide con la celebración del "descubrimiento" de América, desmitifica la imponente figura del almirante genovés. Calificativos como hipócrita, apátrida, farsante y codicioso presentan un antihéroe con características más humanas que las que la historia nos ha heredado con estatuas imágenes y escritos de exaltación.

Una ‘trouppe’ de cómicos, músicos y bailarines se mofan de construcciones históricas oficialistas sobre la figura de Cristóbal Colón. Su mordaz e irreverente propuesta incluye incisivas imágenes llenas de colorido y penetrante imaginación. Una extraordinaria oferta estética nos lleva a cuestionar con suspicacia cada zapata histórica que nos sostiene hoy día. Incisivos payasos, jefes de pista, magos, chicas alegres y músicos integran esta raída carpa de circo que Urdiales dirige con maestría. Es una risotada abierta a la historia, con la que se denuncia el genocidio, la esclavitud y opresión que cimienta la realidad americana.

El Festival Internacional de Teatro del ICP continúa en el Teatro Arriví en Santurce.

AUDICION (crítica teatral)

Táyna Rivera interpreta a la trepadora 'Elizabeth'

"AUDICION" desperdicia posibilidades

Por Javier del Valle
Especial para El Vocero

Publicada en Escenario Extra el 10/10/2007

Cuando la frivolidad o excentricidad del mundo del espectáculo es el eje de discusión en el escenario, se activa ese pequeño espíritu farandulero que todos llevamos dentro. Todos concebimos una imagen, desde el desconocimiento, de esos seres que se desdoblan para interpretar personajes en el cine, el teatro o la televisión.
¿Cómo será en realidad esa fulana que tanto me hace llorar con sus trágicos y mal amados personajes? ¿Será vegetariana o se atracará de lechón cada domingo en Guavate? ¿Es tan piadosa y abnegada madre como proyecta la radiante protagonista, o maldice e insulta a cada paso que da bajo el sol tropical de Río Piedras?
Tras una tímida publicidad, el pasado fin de semana estrenó ‘Audición’ de Luís Freddie Vázquez en la Sala Carlos Marichal del Centro de Bellas Artes Luís A. Ferré en Santurce. Esta divertida comedia, que integró el trabajo de trece actores y actrices, es una muestra del caudal de talento con muy poca exposición que existe allá afuera.
‘Audición’ no pasa de ser un divertido sketch en dos actos con posibilidades desperdiciadas. Cinco actrices prueban su talento intentando conseguir el papel protagónico en una telenovela. La personalidad real de cada una se entremezcla con sus traumas, frustraciones e historias particulares. La seducción, y el chantaje amenazan con contaminar el proceso de selección. Divas, trepadoras, perturbadas y frustradas contribuyen a crear una comedia de personajes un tanto simple.
El autor se vale de la parodia del mundo televisivo, pintándolo como uno frívolo y manejado por intereses malsanos. Un buen elemento fue permitir que el público elija la actriz que debe protagonizar. Esta buena intención quedó opacada por la intervención anticlimática de un para de actores que resumían innecesariamente el desempeño de cada actriz.
Es menester resaltar el trabajo de las cinco actrices que competian por el papel protagónico del novelón. Naymed Calzada, Aris Mejías, Tayna Rivera, María verónica Cabrera y Charlaine Delgado mostraron altos quilates con sus interpretaciones. Táyna Rivera sobresalió del grupo por su capacidad de mostrar varias caras de la tradicional tonta y sensual trepadora “Elizabeth”. Aris Mejías estuvo más que divertida con su peligrosa locura al interpretar a “Brenda”. Asimismo Naymed Calzada mostró tener tabla y experiencia frente al grupo.
Completó el elenco, dirigido por Orlando Rodríguez, Luís Freddie Vázquez, Carlos López, César Avilés, Gaspar Santos, Héctor Sánchez, Orlando Rodríguez, Mayte Benítez y Miguel Torres.
El director debe velar por no romper la cuarta pared a la menor provocación y sin justificación alguna. Este tipo de elemento sumergió varios momentos de la puesta en la dinámica de las comedias astracanadas de programas de variedad de medio día.
La iluminación fue diseñada por Orlando Rodríguez, el sonido por Julio Badillo, vestuario por María Verónica Cabrera y el maquillaje por Josy Andrades.

LOS MUSICOS DE BREMEM (cítica teatral)

TEATRO INFANTIL DE ACERTADA FACTURA
Por Javier del Valle

Especial para Escenario (publicado el 9 de octubre 2007)

Colorido, música alegre y simple, además de la frescura de una trama lógica e inteligente, podrían ser buenos elementos para la elaboración de una obra de teatro infantil. Si a esto se le añade respeto por el público a quien va dirigido el espectáculo, un buen saldo es previsible.
La pasada semana se presentó la pieza teatral “Los músicos de Bremen”, un hermoso musical lleno de matices y pegajosas canciones para el deleite de los más chicos. Cientos de pequeñines, entre los cuatro y los seis añitos, vitoreaban y reían con expresiones de aprobación al grupo de actores que dieron vida al célebre cuento de los Hermanos Grimm.
El Centro de Bellas Artes Alejandro “Junior” Cruz de Guaynabo se convirtió en una enorme guardería en la que la risa, los gritos y los aplausos atestiguaron la efectividad del montaje de Teatro Caribeño, dirigido y adaptado por Joselo Arroyo.
Un burro (Edwin Ocasio), un perro (Joselo Arroyo), una gata (Magdaly Cruz) y un gallo (José Santos Ferrer) pierden la utilidad que solían tener ante sus dueños, tornándose en estorbos. El burro dirige sus pasos hacia Bremen, de donde es oriundo, con el fin de unirse a un famoso grupo musical, lo que le dará alegría a su espíritu. En su recorrido se encuentra poco a poco a cada animalito, creando grandes lazos de amistad, solidaridad y esperanza. Luego de poner en su sitio a un par de pillastres (Giussepe Vázquez y Madelyn Ortiz), que acosaban a los camineros, muestran del valor del trabajo en equipo. Juntos luchan contra el discrimen hacia la vejez, lo que se convierte en tema central de esta comedia musical infantil.
El colorido de los vestuarios alegremente diseñados por Gloria Saez, junto a la práctica escenografía de Jorge Ramírez y el mismo Arroyo, acentuaron el ambiente de ilustración infantil que esperamos de este tipo de literatura. La utilería de Gregorio Barreto se distingue de igual modo. Tal vez los maquillajes del experimentado Bryan Villarini debieron exagerar un tanto los contrastes de luz y sombra, pues el teatro de Guaynabo es enorme, provocando que la mitad de los niños se pierde entre detalles.
La música de José ‘Chenan’ Martínez mantuvo los niveles de adrenalina de los chiquillos en un nivel óptimo, al igual que los bailes coreografiados por Raúl de la Paz.
Así como no es fácil llenar una sala tan grande de estudiantes, tampoco es fácil captar la atención de chiquitos que no han podido acomodarse por razones de planificación de maestros o de quienes manejan estos teatros. Asuntos de logística en el acomodo, no deben interferir con la ilusión de los nenes y nenas que están a la merced de la impuntualidad o incapacidad de adultos.
Nos hubiera gustado ver un poco mas de las habilidades como músicos del grupo de animalitos compuesto por la gata “Genoveva”, el burro “Bartolomé”, el perro “Patricio” y el gallo “Germán”.

"BONY & KIN" (crítica teatral)

Noris Jofre y Ricardo Alvarez

Entre la farsa y lo absurdo
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
(publicada 8 de octubre de 2008 en Escenario Extra)
La influencia de los medios de comunicación en la cotidianidad humana ha llegado al punto de convertir la realidad misma en farsa o absurdo. La violencia nuestra de cada día parece sacada de algún guión policiaco de tercera, harto en borbotones de sangre, tiros y conspiraciones, pero sin finales felices.

Continuando con la oferta del Festival de Teatro de Caguas, el pasado fin de semana se representó en el Teatro Arcelay "Bony and Kin", pieza de Carlos Canales que ha recorrido varios escenarios internacionales. Esta obra satírica explora con sus personajes esa repercusión que ejercen los medios sobre la conducta humana.

Los antivalores seducen a este autor dramático oriundo de Río Piedras, lo que utiliza como tema recurrente en su teatro. En esta obra hace parodia de lo trágico, lo violento y lo grosero como en sus otros escritos "Juego peligroso" y "Me gustan las películas de Charles Bronson"

‘Bony’ (Noris Joffre) y ‘Kin’ (Ricardo Ávarez) se cansan de ser dos vulgares ladrones anónimos, y deciden saltar a la fama asaltando establecimientos de la reconocida cadena de hamburguesas ‘Burger Queen’. Cual si fueran estrellas de rock, convocan a sus fanáticos para que sean testigos de sus atracos. La gente los adora, y asían ser sus próximas víctimas. Aunque este tipo de asalto produce menor cuantía que la acostumbrada, la publicidad que genera a los protagonistas supera sus ambiciones.

Con tono fársico, el montaje se nutre de imágenes que intentan resaltar la influencia mediática que motiva a sus personajes. Carteles de películas de acción y proyecciones de corte noticioso sobre el ciclorama enmarcan la ambientación. El exceso de luz al fondo del escenario anuló la posibilidad de disfrutar de manera integral la propuesta dirigida por el veterano Félix Díaz Vélez.

Los ‘Bonnie and Clyde’ puertorriqueños experimentaron un accidentado salto a la fama en esta producción de Jorge Morales Cordero para la Compañía Nacional de las Artes de la Representación (CONAR).

El XXIX Festival de Teatro de Caguas continúa el próximo viernes con "Albizu, todo o nada" de Viviana Torres dirigida por Luís Oliva y protagonizada por Moncho Conde.

Hablemos de teatro por Noticentro 4 al Amanecer

(3 de octubre 2007)

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Temas de la semana
Crítica teatral de:

• "La mamá de David"
• "Mujer invisible "
• "Voces contra el terror"

Cartelera:

• del 3-9 de octubre 2007

Hablemos de teatro por Noticentro 4 al Amanecer

Hablemos de teatro (26 de septiembre)
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MUJER INVISIBLE (Critica teatral)

En la foto: Nancy Millán

Protesta contra los estereotipos
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Publicado el 2 de octubre de 2007

Luchar contra los estándares de belleza o aceptabilidad impuestos por el bombardeo mediático es cosa de todos los días para algunos. Alguien decidió, desde su esquelética desgracia, que la saludable y rolliza maja de Goya (con o sin ropa), no cumple con la regla de "lo lindo".

Con una vida marcada por el prejuicio, la actriz, cantante, compositora y dramaturga Nancy Millán, se ríe de su experiencia, a la vez que hace una denuncia valiente y enérgica con la "Mujer Invisible".

El pasado fin de semana continuó la oferta del Vigésimo Noveno Festival de Teatro de Caguas, celebración que se ha distinguido por guardar celosamente altos niveles de excelencia. "Mujer Invisible" no fue la excepción.

El documental "Bonita", de Cynthia Martínez y María Fernanda Beltrán, comienza el espectáculo explorando conceptos y percepciones estéticas entre jovencitas y niñas. Luego un grupo de tres músicos y dos coristas, recibe a una protagonista que, desde sus canciones y monólogos, muestra el camino de sueños y realidades de una niña obesa que deseó ser una gran actriz y estrella de rock. Sus soliloquios retratan la vida de obstáculos, prejuicios, agresiones físicas y sicológicas, sufridas por alguien que se sabe igual que el resto y ante quienes se encargan de insinuarle lo contrario.

Con tono fatalista e irónico ataca con certeza a motivadores, siquiatras, empleadores, colegas, maestros, publicistas, etc. Millán no aparenta deseos de cambiar el mundo. Con sus monólogos pretende hacerse notar, sacando del medio las paredes impuestas por otros, y ¿por qué no?, por sí misma. La protagonista llenó el escenario con la inmensidad de su talento. Su voz hermosa y cristalina acompañada por su guitarra, aumentó su visibilidad en el escenario. Los mejores momentos de la actriz y cantante se dieron cuando sonaba improvisada. Debe apartarse del monólogo teatral y acercarse al aparente "stand-up comedy" informal.

Las letras de las canciones son de Nancy Millán, dirección escénica y coro de Ricardo Santana, arreglos vocales y coro de Noelia Ortiz y diseño de iluminación y producción de María Cristina Fusté para Boundless Theatre Company. La música estuvo a cargo de Jomel Rivera (guitarra), Raul Gaztambide (bajo) y David Pérez (batería).

Esperamos ver a la "Mujer invisible" llenar varios escenarios con su radiante inmensidad de talento.

LA MAMA DE DAVID (crítica)

Johanna Rosaly y Guissepe Vázquez en la obra

"La mamá de David". (Foto de EL VOCERO/Quique Aparicio)

"La mamá de David": excelencia en escena
Por: Javier del Valle

Especial para EL VOCERO (1 de octubre de 2007)

¡Cuanta hermosura puede partir de una experiencia de dolor, frustración e inmenso amor! El sacrificio al que se ven sometidos los padres y familiares de personas con alguna necesidad de atención especial nos conmueve e invita a la reflexión.

La fantasía de un texto teatral nos acaba de golpear contra el muro de la realidad de los que viven en un mundo de encierro y desesperanza. El más acertado estreno teatral de los últimos años en nuestra escena nacional, sobrepasa la sensiblería y sentimentalismo gratuito al que nos acostumbran las tontas telenovelas.

"La mamá de David" de Bob Randall es un llamado de solidaridad, comprensión y esperanza para todos. La pieza teatral, que desde el pasado viernes ocupa la Sala de Drama René Marqués del Centro de Bellas Artes de Santurce, es un acto de generosidad intelectual y humana del autor.

Una madre (Johanna Rosaly) lo ha entregado todo por ‘David’ (Guissepe Vázquez), su hijo autista. ‘Sally’ ha sacrificado familia, trabajo y vida sentimental por velar de cerca el bienestar de su hijo menor. En su camino se encuentra con voces comprensivas, críticas, ignorantes, indiferentes y hasta recriminatorias. Su afán por luchar con tesón ante la condición severa del adolescente la ha tornado amarga, egoísta, descuidada y posesiva. Un macabro sentido del humor le aleja de quienes le quieren.

El extraordinario texto escudriña cada ángulo de la personalidad de este ser tan amado por su hermana ‘Bea’ (Cristina Soler) y acosado por ‘Gladys’ (Suzzette Bacó), la trabajadora social. Los seres más cercanos deben competir por un lugar ocupado en su totalidad por ‘David’. Este es el caso del esposo (Braulio Castillo), la hija (Yezmín Luzzed) y el pretendiente (René Monclova).

Johanna Rosaly supera su esplendor sobre el escenario, justo cuando celebra 50 años de carrera. Su interpretación de la sacrificada madre le permite mostrar todas sus dotes de actriz madura que no deja escapar el menor de los matices, pausas, miradas, silencios, risas, desplazamientos escénicos... Su genialidad interpretativa atrapó al público en una especie de montaña rusa emocional, pocas veces vista. Podemos distinguir su actuación con el difícil y prohibido calificativo de impresionante.

Guissepe Vázquez borda con estudiado respeto y cuidado el comportamiento físico y emocional de un jovencito con retardación mental y autismo. La entereza de su desempeño le ganó un cerrado aplauso cargado de agradecimiento por parte de la audiencia y de sus compañeros de escena. Vale destacar la frescura y verdad en el trabajo de Cristina Soler. Bacó, Castillo, Luzzed y Monclova se lucenn con igual veteranía y calidad. ¡Bravo por este elenco de primera fila!

Este montaje de Gilberto Valenzuela es uno de los más celebrados que le hemos presenciado. Un público agradecido y emocionado aprobaba con su ovación un trabajo de dirección redondo, inteligente y sensible. Le ayuda sobremanera la estupenda adaptación de la misma Rosaly.

Las luces de Héctor Negrón contribuyen de manera especial para resaltar el drama interno de la protagonista. La excelente ambientación de Jesús Lugo resulta tan deprimente como debía ser, además de la utilería junto a Cristina Sesto, cuidando carencias y excesos. El vestuario es coordinado por Alba Kercadó mientras Rafael Varela se encarga del maquillaje y peinados.

Este esfuerzo de los productores Julia Serena Monzón, Lorna Otero y Lino Hernández para Producciones Tamima debe tratar de alcanzar la mayor cantidad de público posible por sus altos valores y calidad. No se la pierda el próximo fin de semana en el CBA de Santurce.

MARCEAU: El silencio lo contiene todo

In memoriam por Javier del Valle
Publicado en Escenario de El Vocero
sabado 29 de septiembre de 2007

Una nota periodística avisaba que el más grande de los mimos visitaría en próximo fin de semana el Teatro Teresa Carreño en la ciudad de Caracas. Solo le había visto en fotos, en algún reportaje televisivo y en una corta intervención en la que caminaba contra el viento en “Silent Movie” de Mel Brooks. Ese lunes le dije a mi esposa que el viernes teníamos que estar en la capital Venezolana para ver al gran maestro del silencio.
Desde una lejana butaca ubicada casi en el medieval gallinero del teatro, vi como se abría un inmenso telón que develaba un escenario completamente vacío. Una erguida figura llenaba aquel vacío, instando a la imaginaria concurrencia congregada en la sala de un tribunal a recibir a mantener el orden. Luego divisé a un frágil acusado, un astuto abogado, un agresivo fiscal, un sabio juez, un enérgico alguacil… Cada uno de los personajes estaba más que definido. Se movían, paraban, sentaban y miraban distinto.
Ya el escenario no estaba desocupado, los personajes llenaban el espacio y paredes, atriles, estrados, sillas, esposas, macanas y malletes se materializaban en mi imaginación. Luego fui testigo de cómo un solitario escultor daba vida a una hermosa mujer que se torna inalcanzable. Un fabricante de máscaras fue atrapado por el gesto grotesco de una de sus creaciones mientras su cuerpo hacía un recorrido que comenzó en la alegría, siguió con la preocupación, llegó al desespero y terminó en frustración.
Cuando regreso sobre mis recuerdos me invade la confusión y me asalta la duda. Creí haber visto una jovial y coqueta joven obesa bailar con Bip en una cita amorosa; no estoy seguro si realmente observé niños corriendo por un parque mientras pasaba una banda de músicos y varias viejas chismeaban. Aquel hermoso pájaro que se formó de las desnudas manos del maestro, ante las miradas atónitas de miles de espectadores seguramente tiene vida y volará eternamente en la memoria de nosotros, los testigos.
Marcel Marceau fue el testimonio vivo de aquella verdad que me enseñó Gilda Navarra, mi amada maestra de mimo. El silencio lo contiene todo. Cada sentimiento, cada palabra y cada historia están contenidos en el gesto, en aquel que nace del corazón.
La marca que nos queda a los que vimos al histrión francés sobre el escenario es indeleble. Los que le conocimos personalmente supimos de su generosidad. Nunca se consideró maestro; siempre fue colega o camarada. Recuerdo como procuraba a los compañeros mimos tan pronto tocaba nuestro suelo. Visitaba el Teatro Circolo de Luis Oliva, o compartía una cena informal con los “panas” que igual que él, cultivamos el ancestral arte que heredamos de los griegos.
Hoy el silencio es mayor. Bip dejara de ser payaso para ser poeta. Su reto a nuestra imaginación nos creo un mundo de personajes, lugares, sentimientos y emociones que habitaran nuestro espíritu y nos harán reír ante el menor silencio.